ComunaOníricoParanoicoCrítica

La fiesta interminable en el CENART

2011-04-28T09:56:00.000-07:00

Queridos Paranoicos:

Muchas veces los historiadores y críticos del arte, se concentran en

escribir sesudos textos que finalmente terminan por ser leídos por el mismo círculo de historiadores y de críticos, creando un grupo cerrado del que nada entra ni nada sale. Se nos olvida pues que el verdadero público cultural deben ser los niños y los jóvenes. Un público sumamente demandante, que nos obliga a refrescar las viejas ideas y los viejos mitos.

Así es que hoy, les dejamos la cartelera del Día del Niño en el CENART.

¡¡Se ve que va a estar padrísimo!!

Chequen la página y dense una vuelta con sus hijos, nietos, sobrinos o quien sea.

http://www.a.gob.mx/#/inicio

FMX 27a Edición

2011-03-06T08:22:00.000-08:00

Ponemos a su disposición la Página Oficial de FMX: "El festival de la Ciudad de México" en su 27a edición. Este se llevará acabo del 10 al 27 de marzo y contará con la presencia de artistas como: MASTIKÉDIGÈRE -banda francocanadiense suyo particular sonido y líricas atraerán la atención del público mexicano-, EL GRAN CONTINENTAL -un espectáculo de danza contemporánea al aire libre y el MUSEO DE LAS FRASES ERARITJARITJAKA -obra teatral acompañada de las composiciones del director Heinner Goebbels.

Ojalá, nuestros estimados paranoicos, tengan la fortuna de darnos un espacio para romper la rutina, asistir alguno de los eventos de esta feria y compartirnos sus experiencias.

Atte.

The Hatter & The Doll

http://www.festival.org.mx/fmx/

Página Oficial de la XXXII Feria Internacional del Libro del Palacio Minería

2011-02-27T08:15:00.000-08:00

Ponemos a su disposición la página oficial de la Feria del Libro que se lleva a acabo en el Palacio de Minería desde el día 23 de Febrero y que estará abierta al público hasta el domingo 6 e Marzo. Como cada año un evento que bien vale la pena visitar.

http://feria.mineria.unam.mx/index.php?opcion=1

Lotte Reiniger: la reina de la animación

2011-02-23T14:59:00.000-08:00

The Art of Lotte Reiniger (1953-1971)
Cargado por baraqueafritz. - Programas de ayer por la noche y clásicos de TV, online.

Recorrido Gráfico por el Museo de Artes Populares

2010-11-01T11:13:00.000-07:00

Nuevamente la ComunaOníricoParanoicoCrítica hace de las suyas, en esta ocasión fotografiando algunos ejemplos del acervo de MAP (Museo de Artes Populares) en el Centro de la Ciudad de México. Esperemos los regaños recibidos dentro del museo, hayan valido la pena.

Un abrazo a todos nuestros lectores!

The Hatter and The Doll

Visiones de P. Vallarta

2010-08-02T10:37:00.000-07:00

Después de algunas cuantas desavenencias para hacer publicaciones (puesto que existían proyectos atravesados en el camino) reanudamos nuestras actividades, compartiendo con ustedes un pequeño álbum fotográfico, que fue elaborado en una breve visita a las costas jaliscienses.

Esperemos disfruten de él tanto como nosotros disfrutamos de nuestra estancia.

Atte. The Hatter and The Doll

Secretos del Galimatazo; la infancia femenina vista desde Lewis Carroll

2009-10-27T16:42:00.000-07:00

El siglo XIX es para quien lo aborda, una fuente de multiplicidad interminable; pues, a diferencia quizá de otras épocas en las que el juego de la estética, llegó a tenderse a sólo

un lado de la balanza (por lo general

dentro del gusto del poder hegemónico), el siglo XIX se caracterizó por la expansión del espectro artístico, a una variedad sumamente amplia de estilos de expresión. Entre ellos y tan sólo por recordar algunos de estos, es posible mencionar la pasión musical desenfrenada de Wagner, la intensidad de los grabados de Blake, el desasosiego de Edgar Allan Poe, la voluputosidad inmóvil del pincel de Jaques Louis David y

el trazo del mundo fragmentado en ases de luz, de Van Gogh.

Sin embargo y a pesar de la riqueza con la qu

e el siglo XIX, se atavió de estilos plásticos, literarios y musicales, pocas veces la infancia como personaje y a la vez como espectadora estuvo presente. Esta cuestión presencial tan reducida de la infancia, sobre todo en la literatura del XIX, puede deberse a una

cuestión cultural interesante; es decir, a la pionera construcción de la infancia como estadio de inocencia y de protección familiar, que se desarrolló apenas en este siglo.

Si bien se recuerda, durante la época medieval, al tenerse núcleos familiares abiertos en los que la importancia de la comunidad sobrepasaba a la del individuo, predominó una visión de la infancia como una especie de adultez enana, que se hizo sumamente evidente en representaciones religiosas paleocristianas y cristianas. Es decir, que en realidad los niños no eran niños, sino versiones de adultos encogidos que pronto adoptaban las mismas responsabilidades laborales que sus antecesores.

Pese a este sentido de la totalidad comunitaria en la que la idea de familia consanguínea no existía del todo, cabe decir que el concepto del núcleo social, no se mantuvo todo el tiempo de la misma manera. Al contrario, lo que demuestra el desarrollo de la familia aún hasta nuestros días, ha sido una transformación y/o evolución, en la que los estos círculos sociales, se vuelven cada vez más cerrados; más pequeños; círculos en los que el individuo, por razones lógicas, ha comenzado cobrar una importancia no solamente mucho mayor, sino prioritaria ante la comunidad en sí.

Entendiéndose que gracias a este proceso concéntrico de la familia, para el siglo XIX el ser niño comenzó a ser considerado como un proceso social de transición y maduración hacia la vida

adulta -como años después sería la adolescencia-, algunos autores, aunque pocos, se aventuraron a escribir sobre ellos y para ellos.

Uno de los autores más relevantes, en el sentido en que su obra resulta una denuncia severa a la explotación infantil en la Inglaterra industrial, fue Charles Dickens con su Oliver Twist de 1838; una obra que retrata la vida de un niño huérfano que se involucra con un grupo ladronzuelos en búsqueda de una vida mejor y que como obra literaria, constituyó de hecho la primera novela en Inglaterra, que tendría a un niño como protagonista. Otro de ellos, en el caso de Norteamérica, fue Mark Twain con su obra Tom Swayer de 1876; obra que representó otra versión de la historia vista desde el ángulo de masculinidad infantil y nuevamente desde la marginalidad social.

Aunque la presencia de los niños como protagonistas de

la novela del siglo XIX, se reduzca a someros pero trascendentes ejemplos como estos dos, debe recordarse que en general, este punto de enfrentamiento social en la literatura del siglo XIX, fue algo constante. Dentro de obras literarias como las de Horoné Balzac, Fedor Dostoyevsky, Victor Hugo, Gustave Flauvert, Tolstoi y William Thakery, los arquetipos del hombre y la mujer republicanos y del deber ser social, se hicieron presentes en la morfología de la de literatura satirica o la literatura de panfleto; una literatura que dejaba ver entre líneas los ideales de la revolución francesa, los diversos movimientos independentistas que caracterizaron a la época y el profundo impacto la moralidad victoriana en Occidente. Una literatura al fin y al cabo, en la que el papel de la mujer, constantemente deambulaba entre la enemiga de la racionalidad positivista - la femme fatale- y el símbolo de patria en la castidad extenuante.

Sin embargo, entremedio de estos clásicos de corte realista, existe uno que no solamente resalta por ser la única obra que dio y transformó el espacio cotidiano de la infancia femenina desde el filtro de un escritor masculino, sino que al contrario, deslumbra por ser literariamente dentro de su toque romántico, un foco de temprano surrealismo que reinventó la realidad cotidiana de la Inglaterra decimonónica, en una especie de fábula ensoñadora: Alicia en el País de las Maravillas.

Obra que esencialmente podría considerarse como una sátira social, Alicia en el País de las Maravillas y su continuación en Alicia a través del espejo y lo que encontró allí, escrita por el autor, matemático y fotógrafo, Lewis Carroll en 1867, ha sido una de aquellas que equiparable al Drácula de Stoker o al Frankenstein de Shelly, trascendieron innegablemente hacia la postmodernidad, a través de los medios masivos de comunicación como el cine, la televisión, los comics y la publicidad.

¿Qué fascinación hay en Alicia, que le permite ser un símbolo repetitivo en el mundo contemporáneo?

Para quienes –seguramente todos- hayan tenido la oportunidad de estar en contacto con la obra de Carroll, ya sea a través de la propia obra literaria o alguna de sus reinterpretaciones cinematográficas, plásticas o inclusive musicales, será evidente que las lecturas analíticas que pueden dársele, son tremendamente diversas. Sin embargo, quizá una de las más polémicas reside precisamente, en el valor que Carroll imprimió entre sus fotografías, sus cartas y sus cuentos a la feminidad infantil.

Lewis Carroll (1832-1898), -pseudónimo para Charles Dodgson- fue el hijo mayo de una familia de once en la que predominaban las mujeres, siete a cuatro. Según se cuenta, desde temprana edad creó para sus hermanas una cantidad innumerable de juegos y pasatiempos, que incluían un teatro, un ferrocarril en el jardín de su casa y periódicos y revistas humorísticas exclusivas para la familia, en los que se pueden encontrar vislumbres de ratón de la tetera de Alicia.

De lo que biógrafos han afirmado como una infancia feliz, lo cierto es que para el aún niño Charles Dodgson, no todo sería miel sobre hojuelas. Al contrario, como una calamidad terrible o un castigo divino, Charles era zurdo. En una época en que esto era terriblemente mal visto, el pequeño Charles no era normal. El pequeño Charles no podía usar correctamente su mano derecha y además era sordo del oído derecho y tartamudeaba. A consecuencia de ello, sufrió durante varios años, según testimonios hallados en sus cartas, de lo que hoy se conoce como bulling; es decir, de ser molestado constantemente o bien, rechazado de manera agresiva y hostil por sus compañeros.

The boys have played two tricks upon me which were these—they first proposed to play at "King of the Cobblers" and asked if I would be king, to which I agreed. Then they made me sit down and sat (on the ground) in a circle round me, and told me to say "Go to work" which I said, and they immediately began kicking me and knocking me on all sides. The next game they proposed was "Peter, the red lion," and they made a mark on a tombstone (for we were playing in the churchyard) and o

ne of the boys walked with his eyes shut, holding out his finger, trying to touch the mark; then a little boy came forward to lead the rest and led a good many very near the mark; at last it was my turn; they told me to shut my eyes well, and the next minute I had my finger in the mouth of one of the boys, who had stood (I believe) before the tombstone with his mouth open. For 2 nights I slept alone, and for the rest of the time with Ned Swire.[1]

A raíz de lo anterior y aunque existen múltiples teorías que incluso rayan en la pederastia, sobre la obsesión de que Carroll desarrolló por las que él mismo llamaba sus “amigas/niñas”, pudiese ser que su rechazo hacia los infantes de sexo masculino, de los que él mismo decía, su raza no le resultaba en absoluto atractiva, haya sido remplazado por el interés por mantener siempre vivo el recuerdo de aquella parte infantil que no lo hería; es decir, a través de una transfiguración simbólica de sus hermanas, en otras niñas.

Precisamente la manera de inmortalizar este posible recuerdo de su infancia frente lo que le hería, lo encontró a través de una faceta aún poco estudiada del autor; su faceta como fotógrafo amateur.

Si bien se recuerda, sin ser valorada en su técnica como un arte aún, si no más bien como una herramienta documental, la fotografía, como técnica paralela a la pintura que apenas comenzaba a practicarse en Inglaterra hacia 1839, comenzaba a tornarse en una de las novedades técnicas más populares de la época.

Según lo publicado en el Estudio Preliminar de Brassaï, editado por la Lumen en el año de 1998, que incluye las fotografías y el registro epistolar de entre Carroll y algunas de sua amigas niñas, el primer contacto de Charles con la fotografía se dio con la visita veraniega de un tío suyo en 1855. Amante de la tecnología y de los nuevos gadgets de la época el tío de Dodgson se había hecho de varios telescopios y microscopios y finalmente de una cámara fotográfica que había enamorado a su sobrino entonces de 26 años y algunos meses después de este encuentro, el tío le regalaba un cámara de quince libras que lo iniciaría al mundo del retrato vivo.

Si bien en su recorrido por la fotografía entre 1856 y 1880 Carroll hizo varios retratos de adultos importantes de la época, como los pintores prerrafaelitas Ruskin y Rosseli, a los poetas Tennyson y Robert Brownig, el físico Michael Faraday y la actriz Ellen Ferry con sus hermanas Marion y Kate, su pasión la desarrolló preferentemente en la foto

grafía de niñas pequeñas a las que según afirma Bassaï, atraía con un sin fin de artimañas, trucos y juegos, en parques, trenes y reuniones, para después llevarlas a su estudio y fotografiarlas vistiendo por lo general disfraces.

Entre esas niñas inmortalizadas con constancia por el lente de Dodgson, se encontraba la hija de un compañero deán: Alice Liddell. La heroína que caería por la madriguera. La musa que jugaba crocket con flamencos. El amor que era un reflejo de la inocencia que no dura.

Surcando la tarde dorada,

nos lleva ociosos el agua,

pues son bracitos menudos

los que empujan los remos

pretendiendo en vano con sus manecitas

guiar nuestro curso errante.

¡Ah! ¡qué crueles las tres!

Sin reparar el bálsamo de aquél día

Ni el sueño de aquella hora

¡exigen un cuento de una voz sin aliento

que ni una pluma puede soplar!

Pero ¿qué podría voz tan débil

contra el porfiar de las tres?

Prima imperios, fulmina su edicto;

¡que empiece el cuento!

Secunda, con tono más amable, desea

‘que no sean tonterías’

Mientras que Tertia interrumpe el cuento

no más de una vez por minuto.[2]

Los padres de Alice, habían forjado amistad con Dodgson desde 1856 cuando se mudaron desde Westminster a Oxford; lugar donde habían asignado como deán al Sr. Liddell. Debido a esta cercana amistad, las niñas–Lorina, Alice y Edith- apodadas cariñosamente como Prima, Secunda y Tertia, pasaban mucho tiempo con el entonces aficionado por la fotografía. Con frecuencia salían de paseo por los alrededores de Oxford y él, de vez en cuando, les contaba cuentos.

Fue en una de esas tardes de excursión que para Alicia, la del País de las Maravillas, la historia de la gran sonrisa del Gato de Chesire y la Reina de Corazones abrió su cauce. Alice le había pedido a Dodgson que escribiese una historia para ella. Es así, como la historia que se conformaba de relatos aislados para entretener a las tres hermanas Liddel, terminaría posteriormente por construir dos libros con doce capítulos cada uno, titulados como Las aventuras de Alicia el País de las Maravillas y Alicia a través del espejo y lo que encontró allí.

Ilustrados ambos libros por primera ocasión por el caricaturista inglés sir John Tenniel (1820 -1914), estos relatan los fantásticos encuentros de una pequeña niña en una realidad alterna en la que parece prevalecer la locura y al supuesto sinsentido que caracteriza a la oniricidad psiquica humana y que sorprende por este aire de representación metafórica que somatiza las impresiones diarias.

Así, en tanto Alicia recorre los pasadizos, los jardines y los castillos del País de las Maravillas, va encontrandose con representaciones simbólicas del tiempo que no se detiene en el Conejo, del artista romántico en la Oruga Azul y de la feminidad absurdamente propia e incuestionable en la Reina Roja, por tan sólo mencionar algunos. Sin embargo, Alicia no es solamente un agente pasivo de observación lejana en la obra de Carroll. Al contrario, su participación dentro de la obra es la misma que la de Odiseo dentro de la obra homónima; es decir el papel del héroe que se enfrenta de manera valiente a sus miedos, para tras el recorrido, volver reformado psíquicamente, al punto de partida.

Así aunque para muchos es inevitable poner tela de juicio la moralidad o amoralidad de las relaciones de Carroll con sus diversas amigas-niñas, lo importante de la permanencia de su obra no reside en descubrir los misterios o posibles perversidades psicológicas del autor, sino en el hecho de que en Alicia representa, hacia el siglo XIX, una aplicación de la épica en la que la mujer, al contrario de ser presa como Ifigenia, Ofelia, Anna Karenina o Madame Butterfly, de fatídicos e inevitables destinos, se hace conciente de la presencia de si misma en el mundo y se convierte, por decisión propia en una visión poderosa de la mujer/niña emancipada.

[1] http://www.gutenberg.org/files/11483/11483-h/11483-h.htm

[2] CARROLL, Lewis, Alicia en el país de las Maravillas, Alianza Editorial, 1ª ed, Madrid 1970, pag. 29

Primera Exposición Virtual de Arte Infantil

2009-07-22T17:27:00.001-07:00

El Arte infantil ha sido estudiado en muy diversas ocasiones por las ramas de la psicología y, sin embargo, nunca se le ha dado el valor estético que merece. Por lo general, el niño toma un papel y colores y experimenta por lo que nos parece, sin pensarlo; un color aquí; dos más allá. Es por ello que a primera vista nos resulta fácil juzgar la expresión plástica del infante, como una mera expresión catártica sin mayor intención crítica. ¿Pero es esto una ley infalible?

Hace poco más de un año, nuestra colaboradora, The Doll, tuvo la fortuna de comenzar a trabajar como maestra de inglés con niños de segundo grado, planteando durante el año, una vez por semana, dar clases de expresión artística a sus alumnos. Esto es, acercándolos de primera instancia a obras de arte abiertas a la modificación y posteriormente a la pintura abstracta. Durante todo este proceso de enseñanza, fue en verdad interesante descubrir, según nos cuenta, lo fuertemente impresos que se encuentran algunos arquetipos o bien paradigmas en los niños.

Un árbol por ejemplo, es siempre un árbol;

un tronco rectangular café y una extraña nube verde arriba.

Las flores siempre son rojas.

El agua siempre es azul.

Las casas son cuadradas y amarillas

Con un techo triangular rojo

y una chimenea de la que sale un humo en línea recta.

Las niñas usan vestidos rosas y juegan con muñecas;

¡a los niños, les debe gustar el color azul!

Por simple e inocente que esto parezca, con ello no sólo les hemos a dibujar sin salirse de la raya; les hemos enseñado a recrear una visión absolutamente limitante y falsa del mundo que les ayuda no solamente a comenzar a definir ciertos roles sociales desde pequeños, sino que les estigmatiza y les obliga a no salir jamás del límite; a no crear nada más de lo que ya se conoce, es lógico y correcto, y por ende a no cuestionar el sistema social en el que habitan desde una postura proactiva.

Sin embargo, si nos dedicamos a observar cuidadosamente y se les da la oportunidad de expandir esos límites, es posible darnos cuenta de que la expresión plástica infantil, en algunos de sus casos logra hacer evidente la posibilidad de transformación de la estética general infantil, a una estética por demás particular, individual y sumamente valiosa.

Es de esta experiencia, que nació la idea de crear una Primera Exposición de Arte Infantil, que muestre al menos algunas de los trabajos que los niños realizaron durante el período escolar y de llevarla a ustedes a través de un video.

Este video integra dos partes indispensables de lo que fue el proceso de enseñanza, en primer lugar con la obra de los alumnos y en segundo con una serie de opiniones seleccionadas y escritas en inglés, donde expresaron lo que para ellos significa la palabra Arte.

Debe aclararse que en este video como una edición especial para la web, se omitieron las fotografías de los alumnos con la finalidad de proteger su integridad.

Deseamos disfruten esta parte de nuestro trabajo, como colectivo promotor de las expresiones culturales que debe ser difundidas a nuestro publico más importante: ¡los niños!

PS. Nos disculpamos por el tamaño del video. En cuanto descubramos la manera de hacerlo más grande sin que pierda demasiadas propiedades, prometemos modificarlo.

Perro Insurgente: avanzada literaria

2009-07-13T10:53:00.000-07:00

Hemos agregado el día de hoy en nuestra Carpeta de Itinerantes, a un grupo de amigos que hoy en día, se dedican a la publicación de obras si pretención alguna más, que el amor por la poesía y por la indagación de las letras que se olvidan. Les dejamos disponible el link de la página: Perro Insurgente.

http://perroinsurgente.blogsome.com

De cualquier modo LaComunaParanoica les irá informando de las próximas publicaciones y andanzas de nuestros amigos perros, por si acaso llegara a interesarles la compra de algunas de las publicaciones de bajo costo, hechas por ellos. Por el momento, tenemos entendido, sus primeros títulos son los siguientes:

- Elegías romanas (versión de Adam Kovacsics) de Goethe.

- Poemas africanos en versión de Gastón Baquero.

- B.A. y G. frecuentan los hoteles de Abigael Bohórquez.

- Un mismo gozo vulnerado (antología de cármenes) de Juan Liscano.

- 5inco poetas norteamericanas (Dickinson, H.D., Lowell, Moore, Levertov) en versión de Coronel Urtecho y Cardenal.

- Las sombras y los días de Javier Heraud.

¡Ojalá encuentren interesante este nuevo proyecto!

P.S Así mismo, para comodidad de ustedes, incluimos el link del proyecto de The Doll, pues olvidamos hacerlo en nuestro post anterior. Pedimos una disculpa por el error.

http://thedollslittlebook.blogspot.com/

My Little Book of Nightmares: nuevo proyecto

2009-06-26T16:29:00.000-07:00

Hoy, The Doll abre un nuevo proyecto de blog hermano a nuestra Comuna, llamado: My Little Book of Nightmares. Este proyecto pretende continuar con su ensayo en la escritura tanto de poesía (como lo fue con el proyecto poético Flying Feathers), como de pequeños textos narrativos usualmente en inglés, que como ha hecho contumbre, recrean las imágenes de sus propios sueños.

Les invitamos a ser participes de la lectura de estas pequeñas narraciones que constatan para la autora, una especie de diario onírico donde constantemente se quiebra la idea del sueño como descanso.

El link a este espacio, lo encontrarán en nuestra barra lateral izquierda, en nuestra Carpeta de Itinerantes.

¡No olviden dejar sus comentarios!

Atte

Tha Hatter & The Doll

Presentación del libro: Del otro lado de mi vida

2009-06-15T18:24:00.000-07:00

De nueva cuenta, la ComunaOníricaParanoicaCritica desea hacer publica una felicitación inmensa a una amiga que llegada desde hace algunos años desde las tierras que vieran germinar a José Martí, hoy tiene a bien compartirnos desde cerca, muy cerca, su narrativa. Somos
ante todo afortunados...

Así pues, les envitamos a que este 3 de julio en los espacios de Casa Lamn, nos acerquemos a la primera novela editada en México de la autora Yamilet García Zamora, bajo el título de: Del otro lado de mi vida.

La cita es a las 19:00 hirs en Álvaro Obregón 99 entre Orizaba y Córdoba, Colonia Roma.

¡¡Ojalá puedan asistir!!

The Hatter & The Doll

Imperium: la épica expande su manto musical sobre la Ciudad de México

2009-05-14T17:08:00.001-07:00

Existen aún en nuestro país pocas bandas musicales que se interesen por géneros que por decirlo de alguna manera, no recaen en los gustos generales del público mexicano. Desde los Festivales sesenteros en Avándaro, el rock en México ha supuesto un género que a través de figuras como Three Souls in my mind, después conocida como el TRI, Tinta Blanca y el Ritual inauguraban un estilo urbano endémico, que dejaba atrás al rockabilly que había plagado de covers de Paul Anka, el mercado musical de los años sesenta.

Sin embargo, el surgimiento de un movimiento netamente roquero en México que desecadenara hacia los años ochenta, la aparición de agrupaciones como Maná, Caifanes, Café Tacvba y La Maldita Vecindad, La Barranca o Santa Sabina no significaba que para otros géneros vinculados al eterno resplandor negro del blues, el territorio azteca no fuera hostil. Al contrario, puede decirse que con dificultad, los géneros del punk, el metal y el grunge rozaron el gusto del rock mexicano.

En el caso específico del metal: estilo que se cubre de muy diferentes tintes, complejidades sinfónicas y melódicas que no desmeritan en lo absoluto a los maestros del ars nova y el ars antiqua, la música culterana del Antiguo Régimen y sus tentativas de vanguardia hacia el siglo XIX con el Romanticismo, cabe decir que hasta la fecha, el metal ha sido un terreno muy poco explorado en nuestra tierra, pese a que algunas bandas de rock alternativo -aún el más popular en México- incorporen ciertos toques metálicos en sus canciones.

Culturalmente, la falta de una tendencia musical del metal en México, podría deberse a factores económicos y sociales sumamente diversos; entre ellos algo muy importante es el dominio de la empresa del entretenimiento básicamente monopólica por parte de Televisa desde los años 50 y de alguna manera hoy dividida entre Tv Azteca y la anterior. Si se recuerdan los años ochenta en nuestro país con esos domingos nocturnos con Raul Velazco, dándoles pataditas de la suerte a cuanto grupo prefabricado se hacía, en esos años en lo particular podrían ser considerados como aquellos en los que verdaderamente se descubrió a la empresa musical como un negocio. Si la gran mayoría de la población estaba entonces comprando LP’s de Timbiriche, Flans, Pandora y Fresas con Crema ¿qué espacio quedaba para las culturas de choque? Obviamente, en horarios familiares y morales que se habían construido con el sueño Mexicano de Miguel Alemán y Azcárraga, ninguno.

Así pues aunque el camino es arduo y falta aún por recorrer y ya con diversos espacios de culturas alternativas, el metal poco a poco ha dio ganando terreno al menos en ciertos ámbitos que le colocan frente a frente con grandes agrupaciones internacionales de calidad indiscutible. Por ejemplo dentro del género de Rock Gótico, bandas como Anabantha han traído a territorio mexicano la combinación mágica de las voces guturales con delicados brotes operísticos en letras lánguidas y oscuras; dentro del rock progresivo, existe un ejemplo extraordinario en Ágora, agrupación que brinda la posibilidad al escucha, de crearse ambientes diversos con cada una de sus canciones de palabras que remueven…

Sin embargo, quizá algo de lo más novedoso dentro del ámbito del la escena del metal mexicano y apenas en el inicio de lo que esperamos sea una carrera llena de éxitos, aparece la primera banda de metal vikingo: IMPERIUM. Esta banda, maravillosa no solamente por el talento que desbordan sus músicos, sino también por lo jóvenes que son, trata en sus canciones temas épicos de batalla, que sin dejar su base en el black y folk metal, continúa recordando los inicios y las temáticas paganas de la banda pionera, Bathory.

El cuarteto de IMPERIUM, así pues, conformado por Bejamín Arzate (batería), Vernon Eden (voz/guitarra), Jorge Salomé (Voz/Guturales/Bajo), Gonzalo Oaxaca (guitarra), ya con un demo grabado en estudio y con planes de realizar un EP para este año, tendrá este próximo fin de semana la oportunidad de abrir el concierto de una de las bandas más prolíficas del metal vikingo: Amon Amarth, en el espacio underground del Circo Volador.

Esperamos para nuestros lectores, sea esta una invitación abierta a seguirle la pista a estos músicos locos y amigos nuestros que seguramente seguirán dando a nuestros oídos, material para analizar y para aquellos que gusten de las prácticas colectivas clásicas del ritual del metal, para headbangear y armar el slam en cuanta ocasión se presente.

The Hatter & The Doll

Swine Flu Art

2009-05-05T12:15:00.000-07:00

En estos días en que la paranoia se ha vuelto no nada más para nosotros, sino para todos, un leit motiv en nuestras vidas, nos gustaría compartir con ustedes un poco de lo que se ha hecho en las vías de la expresión, la caricatura periodística y la publicidad, al rededor de esta influenzaporcina/influenzahumana/influenza politica/influenzaparanoica que nos ha tenido a todos medioenclaustrados/medioasustados/medioinformados y al fin y al cabo...medioaburridos.

Saludos de sus amigos,

The Hatter & The Doll

El Arte del Panfleto; una visión de la expresión al servicio de la política

2009-04-19T14:06:00.001-07:00

Las expresiones culturales, o bien, si se desease llamarles artes, –así definidas por el filósofo Earnts Cassiere en su obra “Las ciencias de la cultura”- y la política, siempre han tenido un vínculo innegable. Pese a que haya a quienes el arte les parezca siempre un punto de choque y crítica constante hacia lo que podría llamarse: oficialismo, es decir, la visión cultural que impone cada sistema político, lo cierto es que las diversas expresiones culturales como la música, la pintura, la danza, la escultura, la fotografía y la cinematografía, por mencionar algunas, han trabajado ambiguamente entre el apoyo y la oposición al sistema oficial, pues éstas también fungen como un medio publicitario de importancia en la sociedad.

Podríamos sin duda dar varios ejemplos al respecto, en los que las artes buscan mediante su propuesta estética y conceptual, imponer un cierto ideal social. Podría por ejemplo mencionarse la pintura Neoclásica del siglo XIX, que bajo las manos de autores como Jaques Louis David, buscó promulgar los valores republicanos franceses, en una etapa de transición importante entre la “monarquía” y la “república” Podría también, porqué no, traerse el caso del Muralismo como un panfleto de los ideales posrevolucionarios, que intentaban concienciar a las masas populares de su presencia en la vida política de México, o bien hacer referencia al mismo punto con la imágenes escultóricas del Realismo socialista que cubriera a Alemania Nazi, que hacían ver al individuo alemán como fuerte y aguerrido ante la defensa del sueño de un nuevo imperio.

Sin embargo, y aunque a las expresiones plásticas no pueda desprendérseles de este vínculo en mayor o menor medida con su contexto político –recordemos el Gernika de Picasso- , quizá la entre las que se hallan más cercanas a este ambiente –sin restarles importancia a otras- se encuentra la caricatura periodística; la que, por su contexto, inmerso en lo que puede considerarse uno de los medios de comunicación más antiguos, hace con mayor constancia referencia a las problemáticas sociales, sin necesidad de que deba acudirse a un espacio museístico para apreciarle.

Sin bien al tratarse de una expresión popular, su alcance social llega en muchas ocasiones a ser mucho más poderoso que el de una obra, a la que al enclaustrársele en un espacio ajeno, se le considerada como “gran arte”, la caricatura periodística con el tiempo y desde que la imprenta comenzara a tener auge en Europa alrededor del siglo XVII y alrededor del siglo XVIII en América del Norte, ha tenido ciertos cambios de modalidad. Su primera forma impresa de manera solitaria en calidad de sellos serían a través de las llamadas aucas o aleluyas del siglo XIX. Posteriormente y ya hacia las primeras décadas del siglo XX sería conocida la serie de viñetas –conocida como comic strip-, que finalmente su versión de comic, novela gráfica y caricatura animada. Si se recuerda que en uno de nuestros artículos anteriores se hizo mención de la figura de Betty Boop, como una metáfora de la emancipación de la mujer de los años veinte, el día de hoy, deseamos poner a su disposición dos pequeño cortometrajes que hace colación a este tema. Uno de ellos Der Fuehrer’s Face, caricatura del Pato Donald enfrentándose al fuerte sistema militar nazi y el otro: The making of the nazi, una historia que relata el control del gobierno alemán sobre la infancia.

Si quizá para algunos las caricaturas sean meras ficciones para niños sin ningún sentido, debe hacerse hincapié en la idea de que una caricatura se encuentra muy lejos de la tontería o más aún de la inocencia. Al contrario, debe pensarse que así como los cuentos de los hermanos Grimm constataron una forma de moralidad impositiva, a través de la creación de una definición metafórica alrededor de los roles femenino y masculino desde la infancia, no siempre llena de finales felices, la figura de Walt Disney, fue para las primeras décadas del siglo XX, lo que los Grimm para los siglos XVIII y XIX: un gran compendio de los valores sociales de la americanidad.

Desde ese punto de vista, en que la caricatura se transforma en una reconfiguración de lo que también pudieron ser en su momento las Fábulas de Esopo, resulta muy interesante observar como en el ejemplo que desee tomarse, se encuentran inscritos de manera a veces diluida, mensajes muy claros de lo que se esperaba del infante y así de la sociedad en general. No cabe duda, que Disney ha formado parte muy importante de la infancia de muchos de nosotros, creándonos no solamente una ilusión de un mundo mágico, sino también imprimiendo en nosotros roles sociales importantes alrededor de la mujer que espera al príncipe azul: abnegada Cenicienta, y la ficción del amor interminable en la figura del valiente y “siempre bien parecido” Prince Charming.

En el caso entonces de Der Fuehrer’s Face la cuestión no es distinta. Si bien no se busca crear un rol, en específico masculino o femenino, el Pato Donald refleja según la visión norteamericana, los abusos sufridos por aquellos a quienes Hitler llegaba a reclutar entre sus filas. Refleja de una manera graciosa con uno de los personajes más emblemáticos de los estudios de Disney por su constante mal humor, la severa manipulación ejercida por el sistema nazi sobre la sociedad alemana.

Tomando en cuenta que durante los años cuarenta, Walt Disney fue un propagador fuerte de publicidad antinazi en el sector infantil, también puede pensarse que Der Fürers Face o la caricatura The making of the Nazi, serían parte de otro tipo de manipulación en la que debía no sólo se debía infundir a los niños un temor, hacia el nazismo, sino un odio muy profundo disfrazado de travesura, de humor y de burla.

Sin embargo, no sólamente las caricaturas de Disney, formaron parte de este importante bombardeo ideológico infantil anti-nazi, a la par aunque sin una veta moral tan exacervada algunos de los episodios de la Warner Bros. con sus clásicos personajes, Bugs Bunny y rel Pato Lucas, encabezaron a la par de los personajes de Disney de manera políticamente incorrecta parte de la campaña pro yankey durante la Segunda Guerra Mundial. Entre estos episodios, se encuentran Tokio Jokio, donde se hace una referencia a lo sumo despectiva sobre los japoneses durante este tiempo y Herr meets Hare: episodio donde en conejo de la suerte, se enfrenta a un muy robusto alemán nazi e incluso imita a la figura del Feuhrer.

David La Chapelle en San Ildefonso

2009-03-16T12:31:00.000-07:00

Pese a que haya puristas a quienes les moleste, las relaciones entre arte y publicidad, han sido desde siempre, absolutamente cercanas por no dercir ya intrínsecas. Si bien la pintura clásica social o religiosa de lo que históricamente se conoce como Antiguo Régimen (hasta antes de la Revolución Francesa), tuvo como punto primordial enaltecer los valores sociales y morales de su tiempo, por decirlo de alguna manera, a través del Art Nouveau del siglo XIX, con Tolusse Lautrec como en maestro del afiche, la joyería Tiffany's y posteriormente con la creación de arte objeto y los ready-made de la Vanguardía del siglo XX, estas relaciones se hicieron mucho más claras hasta desembocar de manera apoteótica en el Arte Pop de los años 50 norteamericanos.

Aunque exista un referencia temporal muy específica alrededor de la creación del Arte Pop y su cultura dentro de los Años Maravillosos gabachos, que intensificaron la homogenización económica e ideológica de su sociedad, cada época en cada espacio y tiempo, ha creado su propio concepto de lo "pop"; es decir del concepto no solamente de lo "popular" sino de aquellos íconos, de cierta manera mitológicos, que impactan el inconciente colectivo de las sociedades y con ello del deber ser social de cada individuo.

El día de ayer, Hatter y yo, cargando con familia, ropa fresca y ganas de caminar, tuvimos la oportunidad de visitar, con el desarrollo del XXV Festival den Centro Histórico, la exposición sobre la fotografia de David La Chapelle, que se encuentra en el Antiguo Colegio de San Ildefonso.

El jóven autor de 45 años de edad, considerado no sólamente como un seguidor innegable de la tendencia plástica del pop, sino como el Andy Warhol de nuestros tiempos, ha sido también para quien guste de la cerveza Dos XX Lager, de la Cervería Cuahutemoc, el creador de la nueva publicidad de la bebida, que hace ahora clara reminicencia a los calendarios que se elaboraron en nuestro país de 1930 a 1960.

Sin decir mucho sobre el autor, pues vale bien la pena hacer una aproximación a su obra a través de la museografía del recinto, dejamos a ustedes, no precisamente un documental serio sobre La Chapelle. Sino una entrevista hecha por el programa norteamericano Star, que demuestra el carácter irreverente del fotógrafo.

Con ganas de hacer extensiva la invitación a ser testigos de las monumentales fotografías de La Chapelle, dejamos a servicio de ustedes dicha entrevista y una presentación con algunas de sus fotografías, con la intención de tentarlos para verlas en vivo.

Así mismo, al final de nuestra página podrán ustedes dirigirse directamente a la página del Festival del Centro Histórico, para checar los eventos de días próximos.

Betty Boop; un breve espacio de feminismo animado

2009-03-09T17:50:00.000-07:00

Ciertamente, para la condición femenina, el que hoy en día el que exista "El día Internacional de la mujer" se vislumbra como un logro de unidad de género. Sin embargo, si bien la lucha por obtener ciertos derechos de equidad frente a la dominación del género masculino, sobre las áreas económicas, políticas e intelectuales al menos en occidente, se continua dando en ciertos espacios del mundo, lo cierto, es que dentro de los inicios del siglo XX, existieron ejemplos vívidos de emancipación, que hoy con constancia son a lo mucho un vago recuerdo, o en algunos casos un punto de marketing exitoso en productos de diversos tipos.

Sin hacer pues gran alarde de este día, que bien podría valer lo mismo que el "Día del Taco", nos gustaría recordar a una de las primeras y quizá la más algida feminista animada en la historia del siglo XX: Betty Boop.

Esa Betty que a su vez, enaltecía y críticaba el ideal de la belleza lánguida y dramática Marlene Dietrich o Greta Garbo en el recién inaugurado Hollywood, de las décadas delos 20 y 30.

En este corto, realizado en 1933 y dedicado a la figura de Blanca Nieves, cuatro años antes de que Walt Disney sacara su propia producción con un corte mucho más moralista, sin lograr una trama lineal, contiene escenas de una inmensa creatividad animada, constituyendo una visión francamente surreal sobre el sufrido personaje clásico, anadiéndo a él toques de aquella música de las grandes bandas, a la voz de Cab Calloway (uno de los interpretes más importantes de la época, junto con Dizzy Gillespie y Leon "Chu" Berry), como el payaso Koko.

Esperamos disfruten de este

Imágenes sobre Pollock

2009-02-03T16:18:00.000-08:00

Les presentamos hoy, con motivo del reciente aniversario del pintor abstracto Jackson Pollock algunas imágenes del filme homónimo: "Pollock: a true portrait of life and art" , dirigido en el año 2000 por Ed Harris.

Pollock
Cargado por vince4405

Barra de Mensajería de nuevo activa.

2009-02-01T13:08:00.000-08:00

Pedimos disculpas a nuestros usuarios. Nuestra barra de mensajes estuvo sin funcionar varios días, si dar señarl alguna de vida y razón de fallo. Sin embargo, parece hoy todo vuelve a la normalidad y su funcionamiento es de nuevo el esperado.

Muchas gracias por su paciencia...

T. Doll

Palabras de Leonora Carrington

2009-01-12T17:44:00.000-08:00

Estimados Amigos:

Ponemos hoy a su servicio, en nuestro recién estrenado Rincón Literario, las versiones facsimilares cibernéticas de dos libros de la autora surrealista Leonora Carrington. Ambas obras, constatan sin duda una parte indispensable de la obra de Carrington en su faceta literaria que, porqué no decirlo, amerita un lugar entre lo extraordinario de la obra de Eluard, Bretón o Artaud. Ojalá les disfruten tanto como nosotros :

Memorias de Abajo

El Séptimo Caballo y otros cuentos

Hacia una visión de la mujer en la vanguardia surrealista (2a parte)

2008-12-15T12:14:00.000-08:00

Mi mujer de pantorrillas de médula de saúco
Mi mujer de pies de iniciales
De pies de llaveros de pies de calafanes que beben
Mi mujer de cuello de cebada no perlada
Mi mujer de garganta de Valle de oro
De cita en el lecho mismo del torrente
De pechos de noche
Mi mujer de pechos de topera marina
Mi mujer de pechos de crisol de rubíes
De pechos de espectro de la rosa bajo el rocío

La Unión Libre, André Bretón

El surrealismo, así pues, a través de la expresión dadaísta, antecesora de la psique descubierta, continuaría para inicios del siglo XX, la exploración inaugurada por el Romanticismo. Es decir, la exploración de todo tanto aquello fuera negado por el oficialismo racional y progresista, puesto en mira del expansionismo territorial y el imperialismo económico y tecnológico.

Surgido en Francia alrededor de 1917, en la misma Francia que, paradójicamente fuera la cuna de la exacerbación de la racionalidad a través del pensamiento de August Comte, Surrealismo, entre otras cosas inclasificables, significaba para inicios del siglo XX y al menos entre las manos de André Bretón, una manera de llevar a la práctica visual y, estrictamente estética, las teorías de Sigmund Freud esbozadas ya desde el XIX; una morfología de lo espontáneo y de lo libre, en un medio azorado por la ametralladora y la explosión inesperada.

Así pues, si bien es cierto las teorías psicoanalíticas apuntaran al remedio represivo de la locura y el Surrealismo al contrario, como un Romaticismo vestido de siglo XX, como lo hubiese dicho Hobsbawm en su Historia del siglo XX, apuntaría a enaltecerla, entendiéndose esto no como un arte de improvisación técnica, sino mejor dicho de experimentación técnica y temática que ondularía del trazo infantilista y el empaste cromático, al más puro preciosismo visual.

En este caso, es preciso decir que pese a la diferencia de técnicas o bien de estilos dentro de los que subyacen además de la pintura al óleo, la escultura, el collage, el ready made, los happenings y la experimentación fotográfica, las temáticas del Surrealismo, aunque asimismo diversas, convergieron con constancia en la sexualidad, el infantilismo, la magia y la metafísica; todas, temáticas de origen irracional, marginadas del mundo infinitamente progresista y racional de principios de siglo.

Arte de la decadencia, en el aspecto de su interacción con lo prohibido, con sus grandes masturbadores y maltrechos maniquíes de doble monte de Venus, como lo hubiese expuesto Bellmer, el Surrealismo como corriente estética, mantendría un especial interés por lo femenino, a través de filtro de la masculinidad.

Ejemplos memorables perviven en todos los oscuros objetos del deseo de Buñuel; féminas de nombre Conchita o Viridiana. Perviven así, en las múltiples representaciones de Gala, en los brillos y contraluces de la fotografía de Man Ray, en la poesía de Paul Eluard, en la esotérica infantil de Miró y en la magia volumétrica de Max Ernst.

Sin embargo, dentro de la corriente Surrealista la presencia femenina no se vio limitada al papel juguetón de la musa inspiradora. Al contrario, con personalidades como Leonora Carrington, Remedios Varo y Leonor Fini, se consolidaba una entrada activa del ámbito femenino a las vanguardias artísticas.

Desde el punto de vista de la realidad social, la inserción de la mujer a las vanguardias artísticas partiría de la consecuencia de la acción de esta misma en el campo laboral que antes le fuera negado. Es decir, que para inicios del siglo XX gracias a la merma de población masculina, gracias a su participación activa en los campos de batalla entre 1914 y 1945, el campo social femenino tomaría en gran parte su lugar en factorías y otros muchos empleos desempeñados anteriormente por el género masculino, como el ensamblaje de armas, bombas y demás material bélico, así como en la enfermería y el transporte.

Ciertamente, como bien expresado por el historiador mencionado párrafos antes, el siglo XX, no se hallaría preparado para el repentino fenómeno de integración de la mujer al campo laboral, que complejizaría no solamente la dinámica entre los roles sociales entendidos como el deber ser de lo masculino y lo femenino, al pasar de ser un fenómeno supuestamente temporal a una realidad extendida y cotidiana.

Ahora bien. Tratado desde una breve perspectiva social, desde un punto psico-mitológico, la entrada de la mujer en específico a la corriente Surrealista, podría entenderse en su conexión con el ámbito de lo irracional, como una inserción a la irracionalidad, de la irracionalidad per sé, es decir, de lo femenino. Considerada incluso desde la mitología temprana occidental como objeto del deseo, como símbolo lunar fecundo y así catalogada por la tradición judeo-cristiana como presa fácil del pecado y la tentación de íncubos y súcubos: mente acuosa, inestable y volátil no existiría mejor corriente para expresar la naturaleza y la hechicería femenina.

Convocatoria

2008-12-09T17:45:00.000-08:00

Estimados amigos lectores y paranoicos, antes que nada disculpándonos por este largo periodo de ausencia, deseamos hacer pública nuestra convocatoria, al rededor del evento dedicado a Lewis Caroll. En verdad será un placer contar su compañía y participación dentro de lo que intenta ser una inauguración oficial de nuestras actividades dentro de la difusión y creación artística.

Durante este mes de Diciempre, la convocatoria permanecerá abierta, con la finalidad de recibir sus propuestas y tener la oportunidad de realizar una reunión para organizar nuestro evento y afinar los detalles necesarios.

La idea, es realizar un evento multidisciplinario en el que convivan diversas formas de creación, así como de pensamiento como:
performance
plástica
poesía
lecturas referidas
música
etc.

No duden en ponerse en contacto con nosotros.

The Doll & The Hatter

Hacia una visión de la mujer en la vanguardia surrealista (1a parte)

2008-09-17T15:53:00.000-07:00

Dentro de lo que respecta a la historia oficial del Arte, aún construida bajo el halo de las teorías de Wolffin, y de Comte, logra presenciarse una constante de presencia creativa masculina inclusive dentro de las Vanguardias Artísticas que cubriesen al siglo XX. Sin negar la posibilidad de que, además de Safo, hubiesen existido otras poetisas, escultoras y pintoras en la antigua Grecia, resulta interesante el hecho de que la actividad intelectual y creativa, al menos en occidente haya quedado limitada a una actividad enteramente masculina durante varios siglos, quedando relegadas en la mayoría de las ocasiones, como objeto nínfico de deseo e inspiración.

Sin embargo, si bien puede hablarse de cómo se ha dicho anteriormente de una generalidad fálica dentro de las corrientes de pre y vanguardistas Impresionistas, Postimpresionistas, Expresionistas, Real Socialistas, Fauvistas y otros tantos, quizá por su carácter de oniricidad exhaustiva, existirían dentro de la historiografía artística dos corrientes que, permitieron la inserción de la feminidad no solamente en al ambito conceptual, sino en la actividad intelectual y creativa de transición entre el siglo XIX y el siglo XX. Estas dos, serían: El Romanticismo y el Surrealismo.

La primera corriente, como opositora equilibrante y directa de los postulados estéticos comtianos que hicieran del Neoclásico, remembranza vívida de la épica greco-romana convertida en panfleto de los ideales republicanos del siglo XIX, dentro de su vasta expresión literaria, integraría a figuras femeninas como Jane Austen, Mary Ann Evans (George Elliot) y Mary Shelley, la otra: expresión psíquica de entreguerras, exploraría en las personalidades de Leonora Carrington y Remedios Varo la profundidad místico/mágica de la realidad mujeril.

Sin embargo, lejos de justificar la entrada de la mujer al ámbito intelectual, y atribuirle su despliegue, como en calidad de arquetipo, a la acuosidad del símbolo uterino, resulta indispensable hablar de esa integración desde un punto de vista que logre insertar al fenómeno idealista, dentro de las múltiples realidades sociales, que le vieran emerger.

Ciertamente como lo hubiese dicho el historiador de las mentalidades Michel Perrot, dentro de uno de los volúmenes de la Historia de la vida Privada, dirigida por Philip Arie y Georges Duby, el siglo XIX, gracias muy en parte a la ruptura del antiguo régimen con la República y a la entrada de la burguesía al plano social y económico, constituiría en bases hegelianas, la construcción de la familia como concatenador de todos los valores sociales, definiendo, estrictamente, los roles específicos de cada uno de sus integrantes.

Puesto el sexo masculino como cabeza directiva del grupo social familiar y el femenino, como hito de moralidad y la piedad, los matrimonios con constancia arreglados, se convertirían en un extenso juego de sometimientos, en el que el padre se convirtiese en el “único capaz de domesticar los instintos” de libertad y emancipación.

Ahora bien, posible es, que, por supuesto, dentro de esta sociedad femenina controlada y sometida por el yugo de lo entendido como viril, hubiesen existido implosiones y explosiones de cierta rebeldía, detonadas por un contexto social que, quizá sin desearlo, creaba espacios de convivencia específicos para el sexo femenino que, en ocasiones entre sus murmullos, hacían de lo prohibido, fruto de Edén arrebatado

Dicho contexto social como detonante, envolvería consigo una realidad económica y moral de importancia: esto es, que la presencia del hombre burgués, dedicado a los negocios, dentro del espacio familiar, se convertiría en una especie de luz intermitente que pese a su poder, permitiría para ambas partes, desenvolverse en una fehaciente doble moralidad, en la que la “familia” como valor universal, se fundiría en un mundo de máscaras y apariencias dignas de La Feria de las Vanidades de William Thackery.Así pues, dentro de esta negada pero así presente y accidentada emancipación femenina, la presencia de autoras literarias como Austen y Elliot, que, abordasen en algunas ocasiones, los enredos y desencantos amorosos de la burguesía en obras como Pride and Prejudice (1813), Sense and Sensibility (1811) y The Mill of the Floss (1860). Deseosas, suponemos de indagar en el ámbito femenino decimonónico, la única de estas tres autoras que definitivamente y quizá por su constante convivencia en el círculo de escritores masculinos británicos, saldría del arquetio de literatura burguesa, sería Mary Shelley, cuya opera prima y maestra, Frankenstein (1817), se incertaría en el crudo análisis sobre los males de la ciencia en la sociedad moderna, cuya creencia en el dios suprema, había sido ya suplantada por la inefabilidad del método y la experimentación; junto con Frankestein, Drácula, Dorian Grey y el Dr. Jeckyll el siglo XIX inauguraba un filtro que mostraba todo aquello, sobre lo que no deseaba hablarse: el filtro que evidenciaba la careta poco pulcra e insana de la gran sociedad familiar y moralizante victoriana –termino que abarca en aras temporales, a casi toda Europa occidental-.

Ahora bien, si la realidad femenina del siglo XIX repetidamente encuadrada entre dos lineamientos filosóficos, positivista y romanticista respectivamente, se hubiese visto afectada intrínsecamente por factores de desarrollo político, social y económico, esta realidad, dentro de lo que fuese la entrada y expansión hacia el siglo XX, constituiría, más que una renovación conceptual sobre la feminidad, vista desde la feminidad misma, una extensión de los preceptos de emancipación ya intermitentes, durante el siglo anterior.

Pese a aún haber existido como se ha dicho anteriormente, dentro de la vanguardia y las expresiones plásticas de entre y postguerra una constancia de presencia efervescente masculina a través de los múltiples manifiestos publicados entre 1909 y 1920, que tendrían, de alguna manera, un gusto generalizado por un decadentismo –extensivo al Romántico del XIX-, resultado de las crisis consecuentes a los conflictos armados de las guerras mundiales, haciendo evidentes en algunos casos a los monstruos del siglo XX, nuevamente entre la exacerbante reinterpretación de la realidad inmediata por Futuristas, Expresionistas, Cubista y Constructivistas por mencionar algunos, se gestarían al menos dos corrientes –una inevitablemente proveniente de la otra- que quebrarían con el hito del arte como objeto panfletario, al menos en al área de postulados políticos.

El primero de ellos, inaugurado como arte de convencionalismos desintegrados, cuyo alguno de sus manifiestos sería escrito por el posterior surrealista Tristán Tzara, sería el Dadá.

Los que están con nosotros conservan su libertad.
No reconocemos ninguna teoría.
Basta de academias cubistas y futuristas,
laboratorios de ideas formales…

Esta corriente, correctamente clasificada por Mario de Michelli en su obra: La vanguardias del siglo XX como “anticubista, antifuturista, antiabstraccionista con los medios, los hallazgos y las innovaciones del cubismo, del futurismo y del abstraccionismo”, pese a en gran medida recuperar algunos de sus ingredientes, y pese a no integrar de lleno a la mujer, apenas con el vestigio berlinés conocido de la fotógrafa: Hanna Höch (1889-1978), daría una vía de entrada, hacia una de las expresiones más características de la feminidad en la metamorfosis del Dadá, hacia el Surrealismo.

Premio de Primera Novela "Sergio Galindo"

2008-09-15T11:02:00.000-07:00

Antes que nada disculpándonos por la tardanza en pulicar algo nuevo por aquí, La ComunaOníricaParanoicaCrítica, desea hacer pública una felicitación inmensa a la escritora y siempre amiga cubano/mexicana, Yamilet García Zamora, tras haber ganado el Premio de primera novela "Sergio Galindo" en la Universidad de Jalapa, con la obra: Del otro lado, mi vida.

Esperando tener pronto esta novela de corte policíaco en nuestras manos, dejamos a ustedes algunos links sobre la entrega del premio:

http://www.semanariopalestra.com/secciones/estatal.php?subaction=showfull&id=1221414540&archive=&start_from=&ucat=12

http://www.liberal.com.mx/Nota.php?id=19710

Cesar Moro y los ecos del Surrealismo francés en el Perú

2008-08-14T15:33:00.000-07:00

Con la finalidad de darle continuidad a la temática del Surrealismo -movimiento que se unió a la constante inestabilidad de la guerra y del exilio y que, inevitablemente, con su importación de creadores, tuviese un impacto innegable en America Latina-, el día de hoy deseamos invitarles a la lectura del texto cibernético: Cesar Moro y los ecos del Surralismo francés en el Perú, publicado por el autor Camilo Fernandez Cozman, para La Universidad Nacional Mayor de San Marcos.

Ya que el texto cuenta con un total de 29 cuartillas y, por obvias razones, resultaría incómodo para su lectura corrida en nuestro espacio paranoico, hemos decidido dejar con ustedes el link al que podrán dirigirse para la lectura de este mismo.

Esperando sea de su agrado,

Atte.

The Hatter & The Doll

http://academiaperuanadelalengua.org/boletin/42/fernandez-cesar-moro

Luis Buñuel y el ojo de Psique en México

2008-07-30T13:50:00.000-07:00

"Una retrospectiva en la Berlinale, el estreno de un documental en el que colabora su hijo Juan Luis y una exposición con material inédito en la Filmoteca Nacional española son los principales homenajes que el mundo de la cultura europea brinda al cineasta Luis Buñuel en el del 25 aniversario de su muerte."

Veinticinco Años sin Buñuel, en El Financiero 29/07/08

...comienza, púes, así, el artículo correspondiente al día martes, con motivo de aniversario luctuoso, de quien fuese uno de los exponentes más importantes de la corriente de la vanguardia surrealista -que vistió de desnudeces a la diosa Psique y supo darle a la historia una visión renovada de masturbadores y alquimistas- y, por qué no decirlo, de la cinematografía mundial. Quedan, para nuestros ojos, algunas imágenes entrecortadas que recapitulan alguna escena de sus filmes; "Un perro Andaluz", "Viridiana", "Ese obscuro objeto del deseso" y "Los olvidados", son algunos cuantas -pocos-, de aquellos filmes que dejaron, la mayoría de las veces una estela concatenada de fotografías de aquella nación que le hubo refugiado en el exhilio: México.

Discidente de las filas fascistas que cubrieron de un halo negruzco a la España de Franco, Luis Buñuel pareció haber encontrado en este país, la verdadera escencia, no solamente del surrealismo como postulado teórico bretoniano, sino mejor dicho, como vía de exploración de de aquellos temores psíquicos, que, de desde lejos, le obligaban a vislumbrar los fulgores del Guernika, durante el periodo que cubriese la guerra civil.

Recidido como exhiliado en los Estados Unidos de Norteamerica, donde colaboró como parte del comité de propaganda anti-nazi del MOMA de Nueva York, debió poco tiempo después y apunto de obtener la nacionalidad nortemericana, abandonar el país dado, según cuenta la historia, a una indiscreción cometida por su amigo y controvertido personaje Salvador Dalí. Calificado pues de ateo dentro de la publicación de "La vida secreta de Salvador Dalí" y posteriormente criticado con fiereza por un periodista del diario "The Motion Pictures Herald"

Si bien por un lado, Pablo Picasso hubiese con su transformación del cubismo a una retórica de empastes gruesos, hecho de del Guernika una de las representaciones más crudas del enfretamiento armado, el lenguaje de Buñuel, desde la visión onírica que cubriese sus obras, desembocaría en la creación de signos y significantes complejos, entre los que se cuestionan constantemente no solamente a la fe, la santidad y la muerte, sino a los valores sociales.

En este aspecto, si dentro de las temásticas de la santidad y la muerte, se encontrasen obras como "Simón del Desierto" -protagonizada por el tmabién actor de la Mansión de la Locura de Juán López Moctezuma-, Claudio Brook y "Viridiana" -filme en el que se hace evidente la temática del mito del revenant o muerto viviente-, por mencionar tan solo algunos ejemplos que pudiesen esclarecer lo anterioemente dicho, a tenor del refeljos social en Buñuel, debe por supuesto, traerse a colación el fuerte cuestionamiento de la privación sexual y exhacervante moralidad que cracterizaron al regimen franquista, dentro de las imágenes de su primer filme de 1929: Un perro Andaluz -clásico por sus sui géneris cortes de escena que lograban exhaltar las propiedades psíquicas de la asociación libre: nube corta luna/navaja corta ojo-. Sin embargo, entre otros, tal vez obviando la critica social, se encuentra "Los Olvidados"(1949) : filme que, ya producido en México, definitivamente pondría en evidencia la careta trágica del imaginario colectivo de desarrollo social, señalando un México en sumo disímbolo al México posrevolucionario de Infante y de María Felix.

Precisamente a tenor de la visión infundida de Buñuel sobre México, el gobierno Español, en colaboración con el Centro Buñuel de Calanda y la Filmoteca Española, desde el 3 de julio del presente año, a puesto las puertas abiertas a la exposición: México fotografiado por Luis Buñuel: una muestra que consta de más de mil fotografías cotidianas en blanco y negro que cubre no solo la recidencia del también autor de "El angel exterminador" en su segunda patria, sino también esa exploración visual del espacio público, desde un ángulo que en algunos casos, pudiese remitirnos a los páramos rulfianos.

EL PERFORMANCE O CUANDO EL ARTE DESBORDA LA VIDA. El asesinato de la artista Pipa Bacca..

2008-07-16T16:37:00.000-07:00

Hoy, como nuestra última publicación del mes, nos hemos tomado la libertad de hacer uso de la voz de otro, publicando un artículo sumamente interesante sobre el asesinato de la performancera italiana Giuseppina Pascualino,las relaciones del performace con la vida y la muerte y asi mismo,con la ruptura de los espacios entre actor y público; temáica a la que se hizo referencia en nuestro apartado sobre Marina Abramovic, y su performance: Ritmo 0.

Este artículo fue publicado en abril de este mismo año, por el autor Ricardo Arcos Palma, incluido en ello el comentario del artista español Raúl Narajo.

En octubre del año pasado, durante la Bienal SIART que se desarrolló en La Paz-Bolivia, asistí como parte del jurado a un performance denominado “Hasta que la muerte nos separe”. Performance del artista boliviano Deribera Bluebox y la artista chilena Daniela Meneses. En este perfomance que fue bastante controvertido, por haber puesto en discusión el ritual del matrimonio, se puso algo de manifiesto: la performancia desborda el terreno de la ficción y se inscribe en la vida misma. Los dos artistas decidieron contraer matrimonio siendo ella lesbiana y él gay. En esta ceremonia que se llevó a cabo en una iglesia de un prestigioso sector de la capital boliviana, se puso de relieve la idea, que la vida puede ser una obra de arte(1). Esta insistencia, que hace que los artistas y sus obras salgan de los lugares convencionales destinados al arte, para actuar y "transformar" así sea por un instante, el mundo que les rodea.

De esto puede dar cuenta la obra de una de las artistas latinoaméricana más importante: Ana Mendienta. Sus famosas “siluetas” que dan forma a su obra, se funden extrañamente con su propia vida, al punto de no existir un límite entre el arte y la existencia. Recordemos que su muerte, trágica por cierto -su caída accidental de la terraza de un edificio-, terminó asimilándose terriblemente a sus obras donde la idea de muerte y vida era supremamente evidente.
Muchas obras performáticas siempre han interrogado la muerte de cerca; la obra de Gina Pane por ejemplo, quien se hacía una serie de heridas en su cuerpo, o la de Michel Journiac quien se hería de muerte con un arma de fuego, al hacerse disparar, o el mismo Pinocceli quien en una de las pasadas versiones del Festival de Performance en Cali-Colombia, se quitó de un hachazo uno de sus dedos, para presionar por la liberación de Ingrit Betancourt o Raúl Naranjo quien hace ya unos diez años en su perfomance “Cruzado” presentado durante la exposición “Actos de fabulación”, curada por la filósofa Consuelo Pabón para el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, se hiere su pecho con una flecha la cual luego es lanzada hacia una matriz de la que cae sangre. Otros tantos ejemplos, podríamos aquí enumerar donde la vida y la muerte parecen tocarse en el performance.

Hoy el mundo del arte está conmocionado por la muerte de la artista italiana Guiseppina Pascualino conocida como Pipa Bacca. En su última performance “Brides on tour” la joven artista de 33 años decide emprender un viaje junto a otra artista Silvia Moro, a través de una región extremadamente conflictiva: partiendo de su ciudad natal Milán hasta Jerusalén, pasando por Serbia, Croacia y Turquía. Precisamente es en este último país donde su obra se detiene así como su propia vida.

La artista vestida de novia, completamente de blanco, pretendía develar la idea de una unión fundamental, precisamente donde la desunión ha generado un odio intestino, entre las comunidades de musulmanes, judíos, curdos y cristianos. Su obra consistía en recoger una serie de testimonios, principalmente fotográficos del recorrido, para luego ser expuestos en la galería Byblos de Verona. El recorrido era posible gracias al autostop, donde ella podía viajar y establecer una alianza con desconocidos. Práctica que ella ya había utilizado en otros performances. Hasta hace poco menos de dos semanas, cuando ella abordó el automóvil de quien sería su victimario. Su performace basado en la confianza hacia el otro, devela en sí mismo, lo trágico de esta intención, sobre todo en pueblos donde la desconfianza hacia el otro, es algo grande y donde el papel de la mujer es extremadamente denigrable.
Una obra que deja un claro sabor amargo; sin embargo, ese tipo de obras que cuestionan la existencia misma, no pueden tener otro tipo de final que la tragedia misma. Claro, esto no justifica para nada el asesinato de la artista, luego de haber sido abusada sexualmente pour un individuo sin empleo quien hace poco reconoció su culpa, tras haber sido detenido por las autoridades. La artista seguía persistiendo en esa confianza, frágil por cierto, que seguimos perdiendo, desde hace ya mucho tiempo. Quizá ahí radica la fuerza de su propia obra, créer en la utopía de aquello que es intangible, pero que da al mismo tiempo, solidez a la hermandad y a la solidaridad.

Su viaje que pretendía desbordar las fronteras, “desterritorializándo” toda posiblidad de tensión, llega a un final terrible. Quizá hubiese sido interesante pensar en su llegada a Jerusalen, dirigiéndose al muro de las lamentaciones, inmaculadamente vestida de blanco, lista para la ceremonia, pero sin novio. Todos los que hacen performances lo saben: cuando comienza el performance. Pero nadie sabe en qué momento preciso termina. Y así es en la vida misma, valga la pena decirlo; sin duda eso pensó alguna vez Joseph Beuys para quien, la vida y el arte eran una sola y misma cosa, una especie de matrimonio estético, entre lo aparentemente inconciliable.
Ricardo Arcos-Palma. Bogotá, 15 de abril del 2008.
Notas:

(1). Este tema lo he desarrollado ampliamente en el texto "Foucault y Deleuze: la existencia como una obra de arte" En, Foucault 80 años. Belo Horizonte: 2006.

post-scriptum:
adjunto comentario del artista Raúl Narajo pues lo considero importante:"Ricardo, leí tu artículo sobre la artista pipa bacca, y encuentro un error sobre mi trabajo, en la acción llamada cruzado, presentada en museo de arte contemporaneo de bogota en el año dos mil, si, me corto el pecho con unas flechas, cuatro en total hasta formar una cruz (aunque se habría detenido cuando alguna de ellas llegará a la falda de la chica suspendida), mas el contenido de dicha falda no es sangre, la acción, estaba dada para quienes estuvieran presenten, cuerpos vivos que estaban casi en contacto con la experiencia de la acción. yo lanzaba mi cuerpo en la sangre hacia ella, luego caia sobre mi, mertiolate, mercurio cromo, que lavaba mis heridas.soy conciente de que hablo poco, que escribo de una manera muy sencilla y de que la imagen que provoco habla, habla por mi, me completa y suele solía ser muy de crónica roja la impresión; ahora, no intento cambiar lo que de mi se puede pensar, lo hecho es un hecho, mas, labores tan valiosas como la que tu desarrollas, mantienen en la memoria de las personas, labores como la mía.en "cruzado" hablaba de una sanación, de acto que me aprecía romántico, maltratarme y buscar alivio en ella que yo mismo había subido al cielo. casi todas mis acciones hablan de lo mismo, la violencia y el deseo (o el amor, la relación con el otro), y cada acto sucede al otro como un gran performance en capítulos, la reflexión parte del mismo punto, estoy vivo.de todas formas gracias por incluirme en el artículo, me deja inquieto lo que ha pasado con esta mujer, creo que no hay límites, el conflicto ya no se resolvera sino de manera simbólica, mediante esos actos.Un abrazo, Raúl Naranjo LunaBarcelona."

Fuente:

http://www.eltiempo.com/registro/index.php?redireccion=http%3A//www.eltiempo.com/participacion/blogs/default/un_articulo.php%3Fid_blog%3D4036597%26id_recurso%3D450007664

Tecnología y Performance: una aproximación al trabajo de Laurie Anderson

2008-07-08T15:18:00.000-07:00

Si bien dentro del performance, la introducción del cuerpo femenino como protagonista, nunca ha sido ignorada, en nuestro segundo artículo del mes, corresponde tratar, sin bien ya hemos hablado de una perseverante trasgresión de las posibilidades del cuerpo humano alrededor de una cronología circundante a los performances de Marina Abramovic, sobre la introducción de la tecnología como elemento simbólico o plástico, dentro de los performances de Laurie Anderson.

Ciertamente la tecnología es, por decirlo de alguna manera, un elemento inherente al desarrollo contemporáneo –social y económico- de las sociedades actuales, al grado de convertirse en una necesidad primaria no-biológica, tanto lo pueden ser comer y dormir. Es decir que, sin los artificios de la tecnología que han provisto a vida humana de una velocidad, comodidad e intercomunicación tales, nuestra posibilidad de desarrollo y supervivencia exitosa en la vida cotidiana contemporánea, sería no sólamente deficiente, sino inútil para los exigentes estándares de consumo en la posmodernidad.

Así pues, si la vida cotidiana integra a su proceso los adelantos tecnológicos, dentro de su cotidianidad, las expresiones culturales en lo que respecta a las visuales estáticas -pintura, ilustración, fotografía-, como a las dinámicas –danza, videoarte, performance, teatro-, han logrado incluir a dichos elementos tecnológicos en dos vías:
a) Como elementos integrales de desarrollo; es decir, como medios para la creación.
b) Como elementos estéticos y simbólicos dentro de la obra misma.

Si bien ya desde los años sesenta con el movimiento Fluxus –arte escénica postdadaísta basada en la filosofía del anti-arte, que buscaba integrar el arte a la contidianiodad mediante la utilización del medios y materiales de distintos campos-, hubiésemos visto a George Maciunas presentar “A la memoria de Adrianio Olivetti” (1962): performance en el que haciendo referencia a la maquinización humana se hacia reaccionar a los participantes de diversas maneras al presionar los diferentes números de una calculadora, para la performancera contemporánea, Laurie Anderson, el factor de presencia tecnológica en la existencia humana, resulta primordial.

Anderson, nacida en Chicago en el año de 1947 y cuyo uno de sus primeros performances consistiese en tocar repetidamente el violín, patinando sobre un cubo de hielo, hasta que este se derritiese, con el tiempo, presentaría performances de un alto potencial escénico en los que crearía un sui generis tipo de violín -que en vez de cuerdas tuviese un cabezal magnético- y de manera obvia, su propia imaginería. Quizá uno de los más emblemáticos performances jamás presentados por esta mujer, ha sido Big Science (1): performance en el que tuvo la oportunidad de mostrar sus dotes de violinista y músico, creando un espectáculo electrónico que sin duda exploraría en contexto político y social de los Estados Unidos de Norteamérica.

Dentro de este performance, cada una de las escenas visuales y letras de las canciones hablan de la manipulación de masas, en la que todos, inmersos, hacemos lo que se nos dicte por absurdo que parezca; en la que todos, inmersos, actuamos sin decisión; en la que TODOS, inmersos, nos robotizamos, nos homogeneizamos y nos fundimos en el ideal del vacío…

Sin embargo, no siendo este el único de los performances presentados desde 1982 por la compañera de Lou Reed y participante dentro de proyectos conjuntos con Peter Gabriel y Phillip Glass, hoy en día realiza una gira, introduciendo su último trabajo: Homeland.

www.laurieanderson.com

(1) Cabe decir, en el año 2007, el LP perteneciente al Performace Big Sicence se re-editaría .

Marina Abramovic o la introducción de Hécate al arte del Performance

2008-07-03T15:20:00.000-07:00

“Nada podría justificar el hecho de vivir.¿Cómo, habiendo explorado nuestros propios extremos, seguir hablando de argumentos, causas efectos o consideraciones morales?...Cuando todo los ideales corrientes, sean morales, estéticos, religiosos, sociales o de otra clase, no logran imprimir a la vida una dirección y una finalidad ¿cómo preservarla en el vacío?”

Emil Cioran, En las cimas de la Desesperación.

Pese a que pudiese pensarse al performace como una de las más antiguas formas de expresión humana, existiendo en él una completa relación con el rito religioso, cabe decir, éste, no se incluiría como medio de expresión artística, sino ya entrado el siglo XX. La larga lista de vanguardias que constituyeron la ruptura con la uniteralidad positivista, propuesta por el siglo XIX, trajo a la mira del espectador, uno de los híbridos mendelianos histrónico-plásticos más interesantes: la conjugación de plástica, danza, música y posteriormente video en un mismo espacio.

Destinado a golpear al espectador con una idea que bien puede ser lúdica o crítica a través de la puesta en escena de una acción, pudiese hablarse estrictamente de la presencia de los primeros performances, en los happenings que los dadaistas y surrealistas llevaron acabo tan frecuentemente en sus exposiciones. Así, con asiduidad, entre la figuras de Bretón, de Dalí y el público, podían verse mujeres ataviadas de mariposas revoloteando alrededor de la cede expositora. Es pues, el performance, un arte efímero; una presencia interminente destinada a romper el espacio cotidiano, brindándole de una microrealidad adyacente; un sueño dentro del sueño...

En este caso, para Marina Abramovic (1946-): veterana de la expresión performancera, no ha sido distinto en la medida en que cada una de sus presentaciones, han significado no solamente la ruptura trasgresora de los espacios museísticos, sino a su vez, la trasgreción misma del cuerpo como espacio. Hija de dos comandantes yugoslavos, activos durante la Segunda Guerra Mundial, Abramovic no solamente tendría contacto con una educación rígida militarizada, sino también con las visiones dixianas(1) de la guerra y de la muerte, constantes dentro del territorio de los Balcanes.

Así, sus performances, como una incersión de la violencia implícita en la humanidad dentro del protegido espacio del museo y una recuperación constante del ritual, de la repetición continua de una acción o no-acción, parecieren llevar consigo como leit motiv, la búsqueda del límite de la racionalidad humana -siempre más irracional de lo que se preveé-. Entre ellos pudiesen mencionarse, en órden cronológico los siguientes:

a) Ritmo 10 (1973) - Un primer performance de exploración ritual y temporal, en el que utilizando veinte cuchillos y dos grabadoras, la artista ejecutó el juego ruso de dar golpes rítmicos de cuchillo entre los dedos abiertos de su mano. Cada vez esta se cortaba, tomaba un nuevo cuchillo y operación era grabada. Tras cortarse veinte veces, la cinta era reproducida, con el fin de intentar repetir los mismos movimientos y errores, amalgamando de esta forma el pasado y el presente.
b)Ritmo 5, (1974)
Fuera de una enorme estrella de fuego Abramović cortaría las uñas de sus los pies, manos y su cabello, para al finalizar, lanzar los recortes a las llamas provocando en cada ocasión un estallido de luces. Finalmente como un acto de de purificación, Abramović saltaría al centro de la estrella. Durante este acto, la performancera perdería el conocimiento.
c)Ritmo 2, (1974)
En una dramatica experimentación del estado de inconciencia y por otra parte crítica al tratamiento psiquiátrico contra uno de los grandes males del siglo XX: la locura, Abramovic, completamente consciente, en una promera parte, consumiría una pastilla utilizada para pacientes con catatonia, experimentanto brutales movimientos corporales involuntarios. Diez minutos más tarde, al terminar los efectos de tal droga, la artista consumiría otra pastilla; en esta ocasión tratamiento para maníacos depresivos que provocaría en ella una inmovilidad generalizada.

d) Ritmo 0, (1974)
Con el fin de trsgredir los límites de relación entre artista y el público, en esta ocasión Abramovic en un rol pasivo, permetiría al público presente manipular su cuerpo, poníendose a merced de la utilización de 72 objetos; entre ellos, navajas, tijeras, un látigo e inclusive un arma de fuego. En un principio, con timidez, la gente apenas cortaba un trozo de su cabello o vestido. Sin embargo, tras seis horas de acción, los ánimos comenzaron a tomar fuerza, hasta que un hombre apuntó el arma a la cabeza de la artista.

Posteriormente, del año 1976 a 1988, Marina Abramovic dejaría su participación en solitario para colaborar con Uwe Laysiepen, quien, como performancero, se haría conocer como Ullay. Con este, llevaría acabo performances no faltos de un simbolismo ritualista, en los que se harían golpear el rostro entre ellos durante varias horas, amarrarse del cabello hasta que con el paso del tiempo este se desanudara y transmitirse la respiración del otro mediante un beso de 17 minutos, que dejaría, a causa del bióxido de carbono, a ambos artistas inconcientes.

Sin embargo y apesar de que el tiempo ha transcurrido a través de Abramovic, esta aún continúa su trabajo en el área del performance. En la década de los 90, más precisamente en el año de 1997, esta presentaría uno de sus performances más emblemáticos, dada la carga emocional del mismo. En este, desarrollado dentro del museo Gugenheim de NYC, se haría constar el dolor de la madre que desesperadamente busca el cadaver del hijo muerto durante la guerra, se sentada sobre en un gran montículo de huesos de caballo serían limpiados con un cepillo y agua, mientras cantaba canciones de niños.

*(1) Término que recuerda la serie de grabados expresionistas de Otto Dix.